Biography
Taku Hisamura (Artist / Sculptor)
Born in Tokyo, 1977.
In 2003, inspired by a lecture at Todo School, which I happened to listen to, he began presenting his work. From handmade to DIY craft, I actively choose techniques and materials that are considered to be on the periphery of art, and produces works that are barely viable through the art system, while changing them with a reductive ways.
Recent major solo exhibitions include: “Homemade Sculpture” (AI KOWADA GALLERY, Tokyo, 2016), “Repeat Play”(NADiff Window Gallery, Tokyo, 2020), “One Point Sculptures”(GALLERY ROOM•A, Tokyo, 2021), “One Point Sculptures”(SOMSOC GALLERY, Tokyo, 2022). Recent maijor exhibitions includes: “26th UBE Biennale”(Tokiwa Park, Ube, 2015), “Contemporary Sculptor from JAPAN” (Open House at Central Embassy, Bangkok, 2017), “Dogo Onsenart 2018” (Dogo Onsen and its surroundings, Ehime, 2018), “On the Verge of Fiction” (Kuandu Museum of Fine Arts, Taipei, 2019), “Tokyo Biennale 2020/2021″(Across the 4 wards – Chiyoda City, Chuo City, Bunkyo City, and Taito City – of the Northeastern area of central Tokyo, 2021), “Renew-LAB to begin in the future”(Art-lab Sagamihara, 2021), “Organizing Daily Life”(Hajimari art center, Fukushima, 2022) “ART CENTRAL HONG KONG” (Sansiao Gallry booth, HKCEC, 2023), “ART OSAKA” (GALLERY KAWAMATSU booth, KAGOO, 2023), “ARTISTS’ FAIR KYOTO 2024” (KYOTO NATIONAL MUSEUM, 2024)and more.
久村 卓 (美術家/彫刻家)
1977年 東京都生まれ、2001年 多摩美術大学彫刻学科卒業。
2003年、偶然聞くことになった藤堂塾の講義に感化され発表を開始。ハンドメイドからDIYクラフトまで、美術の周縁に位置すると考えられる技法や素材を積極的に選び、消極的な手つきで変化を与えながら、美術制度によってかろうじて成立するような作品を制作する。
主な個展に「家内制スカルプチャー(AI KOWADA GALLERY, 東京, 2016年)」、「リピート再生 (NADiff Window Gallery, 2020年)」、「ワンポイント・スカルプチャーズ(GALLERY ROOM・A, 東京, 2021年)」、「一点彫刻(SOMSOC GALLERY, 東京, 2022年)」。主なグループ展に「26th UBEビエンナーレ(ときわ公園, 宇部, 2015年)」、「Contemporary Sculptor from JAPAN(Open House at Central Embassy, バンコク, 2017年)」、「道後オンセナート(道後温泉及びその周辺施設, 愛媛, 2018年)」、「虚構のはずれ (關渡美術館, 台北, 2019)」、「東京ビエンナーレ2020/2021(東京都心北東エリア, 2021年)」、「これから始まるリニューラボ(アートラボはしもと, 相模原, 2021年)」、「日常をととのえる(はじまりの美術館, 猪苗代, 2022年)」「ART CENTRAL HONG KONG (Sansiao Gallry booth, HKCEC, 2023年)」「ART OSAKA (GALLERY KAWAMATSU booth, KAGOO, 2023年)」「ARTISTS’ FAIR KYOTO 2024(京都国立博物館, 2024年)」 等がある。
Statement
In contemporary art, there are works like Duchamp’s ‘Fountain’ that are supported by institutional elements and are accepted as ‘art’ despite not appearing to be art. This fact enables me to create something art-like, but I don’t actually create art itself.
What I particularly emphasize in my work is the utilization of the art system from a physical aspect. For example, by framing or mounting on a pedestal, or by sewing exhibition spaces and pedestals onto dirty work clothes or clothes with logos that cannot be considered art in reality, I attempt to establish them as art. In other words, my approach to art production is a method of ‘creating without creating art itself,’ suggesting that while creating art is difficult, establishing them as art through institutional elements is possible.
The art system also involves distinguishing between art and non-art. This concept did not exist in Japan before the Meiji period. In Japan, there is a history of painting on screens, fans, and kimonos, and people living within that context were able to appreciate art in their daily lives without the need for exhibitions. This indicates that art and daily life were undifferentiated.
The art I aim for is a state where art and daily life are undifferentiated or interact with each other. To emphasize this, I actively incorporate techniques used in handmade and DIY, which are far from specialized techniques such as brushes or chisels, and sometimes wear or use the artworks themselves to ensure their critical nature.
現代美術の中にはデュシャンの《噴水》のように、美術とは思えないようなものが制度的な要素によって支えられ「美術」として成立する事があり、それが美術らしきものを上手く作れなかった私を、今も作品の制作に駆り立てています。
私が制作で特に強調しているのは、美術制度を物理的な側面から利用することです。例えば服の汚れやロゴマークに展示空間や台座を縫い付け、額縁に入れるといった方法で、美術とは見なされないようなものを美術として確立させようとしています。
つまり、私の制作は「美術を作るのは難しいけど、美術を作らずに制度的な要素によって美術を成立させる事なら出来る」といった、「美術を作らずに作る」方法なのです。
そして美術制度とは、美術と美術では無いものを切り分ける行為です。それは明治以前の日本には存在していませんでした。日本では屏風や扇子や着物に絵を描いてきた歴史があり、その中で生活をしていた人々は展覧会を開かなくとも美術を日常的に鑑賞する事が出来ており、つまりそれは美術と日常が未分化の状態であったことを意味しています。
私の目指す美術とは、このように美術と日常が区別されていない、あるいは互いに影響を与え合う状態です。それを強調する為にあえて絵筆や彫刻刀といった専門的な技法とは程遠いハンドメイドやDIYで使われる技術を積極的に取り入れて制作し、時には作品そのものを着たり、使うことによって批評性を担保しようとするのです。